Le cubime

 Par ouhti soumeya  (Prof)  [msg envoyés : 44le 21-11-10 à 20:18  Lu :4508 fois
     
  
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Le cubisme
Le cubisme est un mouvement artistique d'avant-garde du 20e siècle, lancé par Pablo Picasso et Georges Braque, qui a révolutionné la peinture et la sculpture européenne, en plus d'inspirer les mouvements liés à la musique (Eric Satie, par exemple) et à la littérature (Apollinaire, Max Jacob et Pierre Reverdy, par exemple).
La première branche du cubisme, connue sous le nom de cubisme analytique, est à la fois radicale et influente comme mouvement artistique entre 1908 et 1911 en France, malgré sa courte période. Dans la deuxième phase, le cubisme synthétique (à l'aide de matériaux synthétiques dans l'oeuvre) prend de l'ampleur et garde sa vitalité jusqu'autour de 1919, lorsque le mouvement surréaliste gagne en popularité.
L'historien Anglais Douglas Cooper décrit les trois phases du cubisme dans son livre The Cubist Epoch. Selon Cooper, il y a eu le petit cubisme (de 1906-1908), au cours duquel le mouvement a été initialement développé dans les studios de Picasso et de Braque, la deuxième phase est appelée le haut cubisme (de 1909 à 1914), au cours duquel Juan Gris a émergé comme figure importante et, enfin, Cooper se réfère à la fin du cubisme (de 1914 à 1921) comme la dernière phase radicale du cubisme.
Mais, ce qui est commun à toutes les tendances du courant, c'est que dans les oeuvres d'art cubistes, les objets sont fragmentés, analysés et rassemblés dans une forme composite à multiples facettes au lieu d'un objet représenté d'un seul point de vue. L'artiste montre l'objet d'une multitude de points de vue pour représenter le sujet dans un contexte plus large. Souvent, les surfaces se croisent au hasard, enlevant à l'ensemble son sens cohérent de la profondeur. Le contexte et l'objet pénètrent un dans l'autre pour créer un espace ambigu, une caractéristique distincte du cubisme.
1. Origines du cubisme
Les oeuvres d'art cubistes puisent leur inspiration dans l'art africain mais c'est le travail du peintre Paul Cézanne qui a incité les artistes à se pencher sur la variation du cubisme.
À la fin du 19e et au début du 20e siècle, l'élite culturelle européenne découvrait l'art africain et amérindien d'Amérique pour la première fois. Des artistes tels que Paul Gauguin, Henri Matisse et Pablo Picasso ont été intrigués et inspirés par la puissance et la simplicité de ces styles provenant de cultures étrangères.
Autour de 1904, Picasso a rencontré Matisse avec l'aide de Gertrude Stein, à un moment où les deux artistes avaient récemment acquis un intérêt dans l'art africain et les masques de tribus africaines. Ils sont devenus des rivaux amicaux et se sont concurrencé au long de leur carrière. Cela a peut-être même conduit Picasso à entrer dans une nouvelle période de son travail, en 1907, marquée par l'influence de l'art grec, ibérique et africain. Les peintures de Picasso de 1907 ont été caractérisées comme précubistes, notamment vu Les demoiselles d'Avignon.
Certains pensent que les racines du cubisme se trouvent dans les deux tendances distinctes du travail de Paul Cézanne. D’une part, par le fait de briser la surface peinte en petites facettes multiples, soulignant ainsi le point de vue pluriel donnée par la vision binoculaire. D'autre part, par son intérêt pour la simplification des formes naturelles dans les cylindres, sphères, et les cônes.
Toutefois, les artistes cubistes ont exploré ce concept plus loin que Cézanne, ils peignaient toutes les surfaces des objets représentés dans un seul plan d'image, comme si les objets avaient eu toutes leurs faces visibles en même temps.
Ce nouveau type de représentation a révolutionné la manière dont les objets peuvent être visualisés dans la peinture et l'art.
L'invention du cubisme est un effort conjoint entre Picasso et Braque, puis les résidents de Montmartre, à Paris. Ces artistes ont été les principaux innovateurs de ce mouvement artistique. Peu après, l’artiste espagnol Juan Gris s'est joint activement au groupe. Après avoir rencontré, en 1907, Braque et Picasso, il a commencé à travailler sur le développement du cubisme. Picasso a d'abord été la force et l'influence qui a convaincu Braque, en 1908, à s'éloigner du fauvisme. Les deux artistes ont commencé à travailler en étroite collaboration à la fin de 1908 et au début de 1909, jusqu'à l'éclatement de la première guerre mondiale, en 1914. Le mouvement s'est rapidement répandu dans tout Paris et en Europe.
Le critique d'art Français Louis Vauxcelles a utilisé pour la première fois le terme cubisme, ou bizarres cubiques, en 1908, après avoir vu une reproduction photographique de Braque. Il l’a décrite comme «pleine de petits cubes», après quoi le terme à été rapidement utilisé, bien que les deux créateurs ne l'aient pas d'abord adopté.
Le cubisme a été repris par de nombreux artistes à Montparnasse et promu par le marchand d'art Daniel-Henry Kahnweiler. Devenant ainsi populaire tellement rapidement qu’en 1911, les critiques se référèrent à une «école cubiste» des artistes.
2. Le cubisme cézannien
Le peintre français Paul Cézanne a marqué l'histoire de l'art à jamais avec son style avant-gardiste et sa façon unique de peindre de grandes œuvres d'art considérées comme étant "le cubisme cézannien".
Paul Cézanne, né le 19 Janvier 1839, était un artiste français et un peintre post-impressionniste. Son travail a permis une transition entre la conception artistique du XIXème siècle et celle, radicalement différente, du monde de l'art au XXème siècle. On peut dire que Cézanne fut le pont entre la fin de l'impressionnisme du XIXème siècle et la nouvelle direction du mouvement cubiste au début du XXème siècle.
Les célèbres artistes Matisse et Pablo Picasso ont dit de Cézanne qu'il était "le père de nous tous" et on ne peut qu'être d'accord avec cette affirmation.
Le peintre Paul Cézanne démontre dans son travail qu'il maîtrise la conception, la couleur et la composition de l'image. Ses coups de pinceau, souvent répétitifs, sensibles et exploratoires, sont clairement reconnaissables et très caractéristiques de son style. Il a utilisé la couleur et des accumulations de petits coups de pinceau pour former des oeuvres d'art complexes qui sont à la fois une expression directe de la sensation de l'œil et une abstraction de la nature observée. Les peintures de Cézanne transmettent cette étude intense de ses sujets, ce regard de chercheur et une lutte acharnée pour faire face à la complexité de la perception visuelle humaine.
Cézanne était intéressé à la simplification des formes naturelles en leurs formes géométriques essentielles. Comme les peintres cubistes, il a voulu traiter de la nature par le cylindre, la sphère et le cône (un tronc d'arbre peut être conçu comme un cylindre, une tête humaine comme une sphère, etc.). En outre, cette attention avec laquelle il a enregistré ses observations de la nature a abouti à une profonde exploration de la vision binoculaire, ce qui se traduit en deux perceptions visuelles simultanées, légèrement différentes, qui nous donnent la perception de la profondeur et une connaissance approfondie de l'espace.
Nous voyons deux points de vue différents en même temps; Cézanne travaille cet aspect de la perception visuelle dans sa peinture, à des degrés différents. L'observation de ce fait, en plus du désir de Cézanne de saisir sa propre perception véritable, l'a souvent contraint à dessiner les contours des formes afin de tenter d'afficher simultanément deux points de vue nettement différents, tel que perçu par l'oeil gauche et l'oeil droit. Ainsi, le travail de Cézanne transforme la façon traditionnelle de percevoir la perspective, en particulier d'un seul point de vue.
Ces explorations de simplification géométrique et phénomènes optiques ont inspiré les œuvres de Picasso, Braque et Gris, en plus d'amener d'autres artistes à expérimenter, avec de plus en plus de complexité, plusieurs plans de vue du même sujet et le fractionnement de la forme. Cézanne a déclenché l'une des recherches artistiques les plus révolutionnaires du XXème siècle et qui a affecté profondément le développement de l'art moderne. Ensuite, c'est le cubisme de Picasso et de Braque qui a conduit au cubisme analytique qui, comme les travaux de Cézanne, analysait la forme pour la reproduire avec de simple formes géométriques
3. Le cubisme analytique
La première phase marquante du cubisme fut le cubisme analytique (1908-1912) qui se voulait une analyse de la forme de l'objet pour la reproduire à l'aide de formes géométriques simples telles que le cube.
Le cubisme analytique est l'une des deux principales branches du mouvement artistique du cubisme qui a été développé entre 1908 et 1912. Contrairement au cubisme synthétique, Le cubisme analytique analyse la forme naturelle et la réduit en de simples parties géométriques sur deux dimensions. La couleur est presque inexistante, sauf pour l'usage de teintes monochromatiques de gris, bleu et ocre. Au lieu de mettre l'accent sur la couleur, le cubisme analytique est porté sur les formes comme le cylindre, la sphère et le cône afin de représenter le monde naturel. Au cours de ce mouvement, les œuvres produites par Pablo Picasso et Georges Braque partagent des similitudes stylistiques.
Cette notion se retrouve illustrée dans la peinture Ma Jolie (1911) par Pablo Picasso et Le portugais (1911) de Georges Braque.
À Paris, en 1907, il y eut une importante exposition rétrospective de l'oeuvre de Paul Cézanne, peu de temps après sa mort. L'exposition a amené l'idée que Cézanne fut un peintre important dont les idées ont été particulièrement résonnantes pour les jeunes artistes de Paris.
Picasso et Braque ont été inspirés par le cubisme de Paul Cézanne qui a dit d'observer et d'apprendre à voir et à traiter la nature comme si elle était composée de formes de base comme des cubes, des sphères, des cylindres et des cônes. Pablo Picasso a été le principal artiste du cubisme analytique mais Georges Braque a également été important après avoir abandonné le fauvisme pour travailler avec Picasso dans le développement du lexique cubiste.
4. Le cubisme synthétique
Le cubisme s'est dirigé dans une période synthétique, entre 1912 et 1919, révélant le célèbre peintre Juan Gris. Opposé au cubisme analytique, cette phase introduit le collage dans l'œuvre.
Le cubisme synthétique a été la deuxième branche principale du cubisme, mise au point par Pablo Picasso, Georges Braque, Juan Gris et d'autres, entre 1912 et 1919. Pour la première fois, grâce à lui le collage a été considéré comme faisant partie des beaux-arts.
Les premières œuvres d'art de ce nouveau style incluent Nature morte à la chaise cannée (1911–1912), de Pablo Picasso, qui comprend du tissu collé sur la toile. En haut, à gauche, sont les lettres «JOU» qui apparaissent dans de nombreux tableaux cubistes et qui pourraient se référer à un journal intitulé Le Journal. Les coupures de presse ont fait partie des inclusions dans ce style du cubisme par lesquelles des morceaux de journal et des feuilles de musique ont été inclues dans les collages. «JOU» pourrais également être relié à un jeu de mots sur les mots jeu ou jouer.
Pablo Picasso et Georges Braque ont eu une compétition amicale l’un avec l'autre et ces lettres auraient pu être une prolongation de leur jeu.
Considérant que le cubisme analytique a été une analyse des sujets, Le cubisme synthétique est plutôt une insertion de plusieurs objets les uns dans les autres. Picasso, par le biais de ce mouvement, a été le premier à utiliser du texte dans ses œuvres et à avoir recours à des techniques mixtes, utilisant plus d'un type de support dans la même pièce. Opposé au cubisme analytique, Le cubisme synthétique apporte moins de changements de plan de vue et moins d'ombrage, ce qui aplatit l'espace.
Une autre technique utilisée a été appelée «papiers collés» que l'artiste Georges Braque a utilisée dans son collage Plat de fruits (1913).
Conclusion.
Par les libertés que les peintres cubistes ont pris avec leurs sujets et leurs techniques, on peut dire qu'ils ont préparé les jalons de la peinture surréaliste qui a pris toutes libertés dans l'exploration du monde du rêve et du jeu hasardeux avec les formes et les thèm

  



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